ポップスの曲をリハーモナイズする方法③【ジャズフュージョンスタイル】

ポップスの曲をリハーモナイズする方法③【ジャズフュージョンスタイル】
普段よく聞いているポップスの曲を、かっこよくリハーモナイズしてみたいけど、どうやったらできる?

 

今回はこのような疑問にお答えする内容です。

 

 

ベーシストであり、数々の音楽理論の解説動画をアップしているAdam Neelyが解説する「ジャズフュージョンスタイルのリハーモナイズ」をかんたんにまとめてみました。

 

今回は、解説者であるAdamが実際にやった「ポップスの楽曲をジャズフュージョンスタイルにリハーモナイズする方法」のうち、

 

・コード選びで混乱している方へ
・リハーモナイズにおけるメロディーとコードの関係
・クロマティックにリハーモナイズ
・リハーモナイズにおけるコードの選び方
・ミラーコード、マルチ・トニックシステム、十二音技法

 

の5つについてまとめています。

 

Part1:「ダイアトニック・リハーモナイゼーション」「ノンサイクリックコードとサイクリックコード」「ハーモニックリズム」について

Part2:「テンションを入れる」「セブンスコードを使ったサイクル5ルートモーション」「トライトーン・サブスティテューション」

Part3:リハーモナイズにおけるメロディーとコードの関係、クロマティックにリハーモナイズ、リハーモナイズにおけるコードの選び方、ミラーコード、マルチ・トニックシステム、十二音技法

 

※このシリーズでは、Ed Sheeranの「Shape of You」をDmキーでリハーモナイズしていく方法をご紹介しています。

 

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コードとメロディーの関係

 

さてここからは、リハーモナイズをするにあたり非常に重要なポイントについてお話します。

Part1では、「リハーモナイズした後コードの響きに合わせてメロディーを変える」というテクニックをご紹介しました。

しかしその時ご紹介した例では、「その時鳴っているコードとメロディーの音がどういう関係にあるか?」を無視して変えています。

 

一般的に、「メロディーの音はコードに入っている音であるべき」という考え方が使われます。

しかしリハーモナイズにおいてはそうである必要はなく、メロディーに使われる音が「コードの延長線上にある音」として認識されればOKです。

 

たとえば…

 

例えば、FM7コードに対して、メロディーがGである場合。

FM7コードに対して、Gは9thの音にあたります。

 

画像:動画より

 

FM7コードには含まれない音ですが、響きがマッチするので、この場合は9thにしてもOKです。

 

ベースラインを半音ずつ下げる

 

また、リハーモナイズにおいて、「曲のキーに関係なく、ベースラインを半音階で下げていく」という方法も使えます。

その曲のダイアトニックコードではなくても、自然な流れに聞こえます。

 

像:動画より

 

実際の音がこちら↓

 

6:27~

 

Dm9 DbM7(#5) – Cm9 B(#9)

Bb6/9 Am9 – Gm7 Gm9

 

画像:動画より

 

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ちょっと混乱してきた…

 

確かにジャズっぽくはなったけど、なんでこれが使えるのか、どうしてこうなるのかわからない…頭が混乱してきた…

 

このような方のために、少し内容を整理してみます。

 

コードは背景、メロディーは主人公

 

まずこのリハーモナイズにおいて重要なのは、

 

「これから使うコードが曲のキーにおいてどういう働きがあるのか?」
「コードは次どんな風に変わるかを予想できるかどうか?」

 

ということです。

 

非常に強く、シンプルなダイアトニックメロディーを使うことの「美しさ」は、みなさんが「ある特定の曲のキーにおいて特定の機能・役割があるコード進行を選ぶ必要がない」というところにあります。

 

代わりに、特に機能・役割を持たないコードをピックアップしていきます。

 

コードがその曲のキーから選ばれないと、「この曲のキーはこうなっていますよ」と、コード進行が僕らの耳をガイドしてくれるように聞こえません。

そのため、僕らの耳はコード進行が次どうなっていくかがわかりません。

 

一方で、メロディーはその曲のキーに従って動いていきます。

そのため、コード進行はメロディーの後ろで、背景として楽曲のカラーを変えていくような形になります。

 

たとえば…

 

先ほどの「ベースラインが半音階で下がっていく場合」の例をもう一度見てみましょう。

 

Dm9の次にDbM7(#5)が来ています。

Dmキーなので、本来であればDbM7(#5)は使われないはずです。

 

しかし、メロディーではAとFが使われており、これはDbM7(#5)の構成音として使われています。

DbM7 = Db, F, A, C

そのため、違和感がないのです。

 

コードから「流れ」を感じ取る

 

このコード進行を聞いて僕らの耳が感じ取るのは、「ベースラインが半音ずつ下がっていく」という、音楽的に自然な流れです。

もちろん、「絶対に半音ずつ下がらなくてはいけない」というわけではありません。

半音ずつ上がっていってもいいですし、全音ずつ下がっていってもOKです。

 

半音ずつ上がる例

 

では試しに、半音ずつ上がっていく例を見てみましょう。

 

8:08~

 

G/F Gbm(M7) – AbM7 FM7(sus2)/A

D/Bb G(sus2)/B – Bb6/9 AM7/C# EbM7

 

画像:動画より

 

やや複雑ですが、この複雑さが「ジャズっぽさ」になっていますね。

 

コードってどうやって選べばいいの?

 

さて、ここまでご覧いただいた方の中には、

 

「うーん、やっぱり難しい。もしかして、コードを選ぶときに、何か決まり・理論みたいなものがあったりするの?」

「Adamはその理論を使ってコードを選んでいるんじゃないの?」

 

このように思った方もいるかもしれません。

 

実はこの疑問に関する答えは「NO」です。

 

もちろん「そういう感じのもの」はありますが、厳密に「このコードが来たらこうするんだ!」のように、絶対的な理論やきまりといったものはありません。

リハーモナイズするときにみなさんが頼るべきものは、理論やきまりではなく「みなさんの耳」です!

響きがいいと思った音やテクニックを使えばOKです。

 

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その他リハモで使えるテクニック

 

ではここからは、さらに別のテクニックについて解説していきます。

 

ミラーコード(Mirror Chords)

 

まず一つ目は、ミラーコード。

 

画像:動画より

 

9:16~

 

これはその名の通り、「左手で弾くコードを反転させたものを右手で弾く」というものです。

ちなみに、Bela Bartók(バルトーク)はこのテクニックをよく使っています。

 

画像:動画より

 

マルチ・トニック・システム(Multi Tonic System)

 

「マルチ・トニック・システム」は、メジャーセブンスコードを繰り返し使うもので、長3度(半音4つ分)ずつズラしてコードを変えていきます。

 

このとき、メロディーもコードに合わせて変えていきます。

コードが変わるごとにトニックが変わるため「マルチトニックシステム」という名前がついています。

 

画像:動画より

 

BbM7 DM7 – DbM7 AM7

DbM7 FM7 – AbM7 CM7

 

 

画像:動画より

 

図を見てわかるよう、マルチ・トニック・システムでは、五度圏において等間隔で三角形につないだコードを使っていきます。

John Coltrane(ジョン・コルトレーン)もこのテクニックをよく使っているため、「コルトレーン・チェンジ」とも呼ばれています。

 

John Coltrane – Giant Steps

 

 

John Coltrane – Countdown

 

 

補足

 

たとえばJohn Coltraneの「Countdown」では、このようなコード進行が使われています。

 

BM7 D7 – GM7 Bb7 – EbM7

Am7 D7 – GM7 Bb7 – EbM7 F#7 – BM7

 

この進行を見てみると、主に「BM7」「GM7」「EbM7」をベースに進んでいることがお分りいただけると思います。

これは、五度圏を見るとちょうどきれいな三角形で結べます。

 

画像:https://en.wikipedia.org/wiki/Coltrane_changesより

 

十二音技法(12 Tone Row)

 

次にご紹介するのは、十二音技法というテクニックです。

これは12個の音すべてをバラバラになるように、アルペジオにして演奏するテクニックです。

 

画像:動画より

 

使う音に合わせて、メロディーの音も変えていきます。

 

画像:動画より

 

音は5個ずつグルーピングし、12個の音をほぼ同じ回数ずつ使います。

 

10:24~

 

「いや、これはちょっといい感じのサウンドに聞こえないんだけど….」

 

と思った方もいると思いますが、大丈夫です。

大事なのは「自分がいいと思ったサウンドを実現できるテクニックを使うこと」なので…

 

本家とかけ離れすぎずに

 

Part1の最初にご紹介したDirty Loopsによるカバーは、2011年にYouTubeにアップされたものです。

こちらはとてもかっこいいカバーになっていますよね。

 

一方これ以降にアップされたカバーには、KNOWERによる「Promises」があります。

しかしこのカバーは、ハーモニー・メロディー共に本家とはかけ離れており、本家であるNero・Skrillexのファンには受け入れられず…

 

 

カバーをする際には、本家の楽曲とかけ離れすぎないように、また本家のニュアンス・意図をきちんと汲み取ることが大切です。

 

ちなみに先ほどのお話にも出てきたJohn Coltraneは、かの有名な「The Sound of Music」の楽曲「My Favorite Things」のカバーを、本家とはかなり違ったようにアレンジしています。

ハーモニーだけでなく尺も大きく異なり、なんと約1時間にもおよぶ楽曲にアレンジ…

こちらにも、賛否両論があります。

 

「新しい形」として

 

これらのアレンジは、ポップスの楽曲と並べて考えると極端な例かもしれません。

しかし、Adam自身は「チャレンジすること」「ポップスの楽曲を新しい形へと変身させるのが好き」と話しています。

 

Part1で解説したように、こういった「ポップスの楽曲を別の形にアレンジ」というのは、1950年代や1960年代にもやっていたこと。

「その当時にやっていたことと同じことをしている」と、Adamは考えています。

リハーモナイズをするときは、こういった考え方の上でやってみるのもまた、いいかもしれないですね。

 

このシリーズではたくさんのテクニックをご紹介しましたが、どれか1つだけでも構いませんので、ぜひトライしてみてください!

 

こちらもチェックしてみると、さらにリハモのテクニックを磨けます↓